Dès la première scène nous ressentons le huis-clos d’un couple qui aurait tout pour être heureux. Un projet de vie à la campagne bien débuté, certainement deux beaux enfants qui dorment au-dessus. Tout est lisse, évident. Ils sont partis vivre à la campagne. Ce qui a été, après le confinement, pour beaucoup un choix, une bifurcation de vie, pour retrouver l’essentiel, Crimp il y a plus de vingt ans en faisait déjà l’autopsie. La campagne comme la recherche d’une vérité, d’un apaisement, d’une vérité non frelatée.
Mais très progressivement, ce huis-clos apparaît tendu, puis vicié. On simule le couple, on simule « la vie à la campagne », on simule l’accès à un idéal campagnard. Mais l’autre face de l’idéal c’est l’imposture, la dévitalisation au profit d’une posture. Loin du bruit de la ville, du brassage des êtres, on finit par se retrouver face à face, sans échappatoire possible. Et ce face-à-face ne révèle pas une vérité chez Crimp, elle dévoile le mensonge, que l’autre, celui avec qui l’on vit, a des enfants, est un étranger. Un pur étranger. C’est bien cela qui est au cœur de la pièce de Crimp : cette inquiétante étrangeté conceptualisée par Freud (« unheimliche », également traduit « inquiétant familier »). C’est dans le plus familier que surgit, forcément, le bizarre l’incongru, l’étrange.
La direction d’acteur s’inscrit dans cette voie. Dès les premières minutes, Isabelle Carré et Emmanuel Noblet présentent un jeu à la fois juste et plaqué. Un peu « Fake life ». Ils jouent la comédie d’un couple qui se joue la comédie. Comme une mauvaise publicité Ikea. Ils en font trop, ou pas assez, au point que ce couple apparaît progressivement comme une « grimace de couple », un rictus de bonheur, comme on en simule tous sur les photos de vacances ou d’anniversaire. C’est la partie la plus intéressante du spectacle : renvoyer au public comment une relation intime peut se vicier et devenir une photocopie, un simulacre grinçant. Ce jeu très réussi des comédiens met bien en valeur le projet destructeur de Crimp pour dénoncer l’entreprise aliénante socialement du couple et de la vie familiale.
Mais ce semblant perdurerait s’il n’y avait, comme toujours au théâtre, l’intervention d’un élément extérieur, d’un corps étranger. Une femme (Manon Clavel), arrive et fera tomber tous ces semblants… Il ne faut pas révéler la teneur de cette irruption, car « La campagne » est autant un drame relationnel qu’une sorte de polar à la trame parfaitement écrite. Disons simplement que Manon Clavel joue à merveille, dans son relâchement et son instinctivité le pendant d’une Isabelle Carré très corsetée dans son bonheur.
Sylvain Maurice réussit à nous immerger dans cette campagne révélatrice : Une campagne où la recherche de la nature préservée débouche sur la découverte de notre nature frelatée. Une campagne où le brouhaha humain incessant de la ville n’ayant plus cours, la parole isolée apparaît vidée de toute émotion vraie : humaine sans humanité. Un spectacle angoissant tant il déconstruit nos identifications. Pour y substituer quoi ?
Texte MARTIN CRIMP
Traduction PHILIPPE DJIAN
Mise en scène SYLVAIN MAURICE
Avec
ISABELLE CARRÉ
YANNICK CHOIRAT, en alternance avec EMMANUEL NOBLET
David Bobée et sa troupe de comédiens nous livrent une interprétation magistrale et efficace du Dom Juan de Molière. Une interprétation au sens d’une relecture, voire d’une réforme, du Festin de pierre, qui ne peut laisser de marbre.
Comme toujours, il y a la forme et il y a le fond.
Formellement ce Dom Juan est une réussite impressionnante. David Bobée maîtrise parfaitement ses 2h40 de spectacle sans que jamais l’attention ou l’intérêt ne baisse.
Sa scénographie, dont on parle beaucoup, s’impose dans sa beauté théâtrale et monumentale, sans jamais (gageure) écraser les comédiens et les enjeux humains qui se trament sur le plateau. Bobée part de la statue du commandeur et tisse un lien direct avec l’histoire contemporaine et le mouvement de déboulonnage (physique ou conceptuel) de figures historiques controversées.
La force poétique, l’émotion créée par le rapport volume/lumière, la puissance conceptuelle, parlent au plus profond de chaque spectateur. Sensation déjà ressentie par tous à la visite de ruines antiques : nostalgie d’une majesté passée, expérience de la vanité de toute « construction » humaine vouée à l’obsolescence et la disparition… Memento mori dit le scénographe David Bobée à un monde de valeurs anciennes.
Le jeu des comédiens se doit d’être à la hauteur de ces statuaires, pour pouvoir les supplanter, comme la vie palpitante et mouvante doit supplanter les statues froides et mortifères de l’idéal. Les enjeux subjectifs pourraient aisément disparaître, écrasés par cette concurrence minérale. Heureusement, les comédiens ne disparaissent jamais, mais se révèlent dans cet affrontement avec le monumental. Il y faut beaucoup de présence, d’intensité et de qualité technique. Au premier rang il faut parler de Garvey Hardy Shade Moungondo Baniakina, véritable révélation de la pièce. Il convainc à tout moment par la justesse et la légèreté de son jeu. Sa compréhension profonde de Sganarelle lui confère un naturel et des nuances permanentes. C’est d’ailleurs, au final, le personnage qui reste le plus fidèle à la tradition, sans revisite.
Il vole ouvertement la vedette à Radouan Leflahi, dont le jeu trop monolithique (sans jeu de mot) peut lasser l’intérêt. Radouan Leflahi, fait bien tout ce qu’il fait, et son engagement total, en tant que comédien, émeut par sa passion de jouer. Mais, et c’est le choix du metteur en scène, son Dom Juan, joué sur une seule note et une seule intensité (la violence maladive maximale, et la pulsionnalité virile psychopathique), caricature et aplatit le rôle. Il le réduit à un Harvey Weinstein ancien régime, un minable. On peut aussi citer Catherine Dewitt, qui incarne/remplace le père, jouant à la perfection l’autorité parentale aussi imprécatoire qu’impuissante.
Pour ce qui est du fond, la qualité essentielle du travail de Bobée est de nous présenter une pièce dialectique, un travail à questionner, et un travail qui nous questionne. Ses choix sont radicaux et s’inscrivent dans sa démarche assumée « de décolonisation de la culture », pour l’éprouver dans un affrontement avec les révolutions culturelles et sociales de l’époque : remise en question du patriarcat, de la virilité toxique, du sexisme et de la domination mortifère des femmes, des discriminations raciales, sexuelles… et économiques également. Pour qu’il y ait débat constructif, il faut pouvoir posséder les briques de savoir minimales pour mettre en perspective, analyser, argumenter historiquement, conceptuellement…
Lire la pièce originale (sans les adaptations, changements de genre ou de personnage, de langue…), peut seul permettre un dialogue éclairé entre le texte brut et sa revisite. Combien feront cette démarche ? Sans cet effort, il n’y a pas dialogue mais remplacement. Une culture alternative, certains parlent d’ « alternative facts ». Dans un tel dialogue, on peut penser que David Bobée produit un amalgame problématique entre le personnage Dom Juan et la pièce Dom Juan. Cela risquant de postuler une unité de vue entre Molière et son personnage. Or, Molière ne fait jamais de son Dom Juan un héros, et l’empathie n’est guère possible. Il entoure Dom Juan de personnages bons et justes (fait rare dans son théâtre) qui, scène après scène, par leur noblesse d’âme font apparaître par contraste Dom Juan au pire comme mauvais, au moindre comme perdu.
Les torsions correctrices apportées par David Bobée sont donc questionnables, puisque la pertinence d’une prise de distance avec l’intention de l’auteur n’apparaît forcément si nécessaire. Par exemple, la dénonciation de la tutelle masculine et patriarcale n’est-elle pas au centre de nombreuses pièces : L’Avare, le Tartuffe, l’École des femmes, l’École des maris, Georges Dandin, le Malade imaginaire… ? Lire l’œuvre donc, car le spectateur de théâtre est un spectateur acteur, qui doit aussi produire un effort pour remettre en question le monde, comme pour se questionner lui-même.
Débattre avec autrui me semble également indispensable après un tel spectacle. Entre spectateurs bien entendu, mais aussi avec les comédiens, le metteur en scène ! Abolir cette distance statufiante entre artiste et spectateur. David Bobée est un acharné du théâtre citoyen. Un effort encore pour être révolutionnaire ! Autant que possible, créer un espace commun, horizontal, pour ne plus consommer du théâtre (comme un vulgaire tabac), mais le coproduire, mais le partager, mais en faire un ciment humain, un remède contre l’isolement et les raidissements idéologiques.
Ce Dom Juan est donc à voir, c’est une œuvre riche et vivifiante, qui pose plus de problèmes qu’elle n’invite à la paresse ! Une œuvre nécessaire donc.
Texte de Molière
Mise en scène et adaptation David Bobée
Avec : Radouan Leflahi, Shade Hardy Garvey Mougondo, Nadège Cathelineau, Nine d’Urso, Orlande Zola, Grégori Miège, Catherine Dewitt, Xiao Yi Liu, Jin Xuan Mao
Scénographie : David Bobée et Léa Jezéquel
Lumière : Stéphane Babi Aubert
Musique : Jean-Noël Françoise
Costumes : Alexandra Charles
Construction décor : les ateliers du théâtre du Nord
(vu le 20 avril à la MAC Créteil)
Tournée
les 2 et 3 février 2023 au Tandem Scène Nationale, Arras – Douai (59)
les 8 et 9 février 2023 à L’Equinoxe Scène Nationale, Châteauroux (36)
du 15 au 17 février 2023 à Points Communs, Scène Nationale Cergy-Pontoise (95)
les 2 et 3 mars 2023 aux Scènes du Golfe, Vannes (56)
les 9 et 10 mars 2023 au Théâtre des Salins, Scène Nationale de Martigues (13)
les 16 et 17 mars 2023 à la Scène Nationale Carré-Colonnes, Saint-Médard en Jalles (33)
les 23 et 24 mars 2023 à L’Avant-Seine, Colombes (92)
du 30 mars au 2 avril 2023 à La Villette, Paris (75)
les 6 et 7 avril 2023 au Phénix, Scène Nationale de Valenciennes (59)
les 14 et 15 avril au Carré, Sainte-Maxime (83)
du 19 au 21 avril 2023 à la Maison des arts de Créteil (94)
du 25 et 28 avril 2023 à La Comédie de Clermont-Ferrand, Scène Nationale (63)
les 4 et 5 mai 2023 à La Filature, Scène Nationale, Mulhouse (68)
les 7 et 8 juin 2023 – La Coursive, Scène Nationale de la Rochelle (17)
Après de longues années, Alain Françon revient à une des grandes pièces de Beckett. Il avait réussit un spectacle inoubliable avec « Fin de partie », dont l’immense et si regretté Serge Merlin était le phare, oraculaire aveugle.
Dans son Godot, il a su encore s’entourer de comédiens d’exception. Avec lesquels il entretient d’ailleurs un ancien compagnonnage d’artisanat et d’excellence.
Car il faut un duo qui fonctionne pour Estragon et Vladimir, vieux couple, où l’un est l’auguste quand l’autre est le clown blanc. Une constante du théâtre, et une constante du théâtre de Beckett.
André Marcon est Estragon, qui joue de son corps et sa voix de basson. Enfant un peu balourd, étonné de ne pas retrouver les trous de sa mémoire là où il les avait laissés. Veule, et un peu cupide, mais toujours fragile et plein des petites souffrances d’une vie. Une vie qui ne cesse de se replier sur elle-même, ou de nous serrer trop, comme une vielle paire de godasses un peu juste.
Gilles Privat est Vladimir, plutôt contrebasse, de la tenue et un reste d’élégance dans la voix. S’il n’était cette vessie délicate, presque une prestance aristocratique dans la clochardise. Son grand corps, son pantalon trop court, faisant contrepoint amical et comique à la stature plus « sanchopanzaienne » de Marcon.
Basson et contrebasse… Cela n’est pas de hasard, car nous savons à quel point Alain Françon aborde et travaille les textes à la manière d’un musicien. Attentif aux couleurs sonores, aux rythmes, jusqu’au moindre bécarre. Il faut dire qu’avec Beckett il a un compositeur précis, voire obsessionnel quant à l’exécution de sa partition. Mais Françon n’a jamais craint ni la rigueur, ni l’austérité, ni la beauté intrinsèque d’un classique. Il choisit étonnamment ici un rythme plutôt « vivace » et parfois même léger. Il n’appesantit jamais l’émission du jeu, et se prive presque systématiquement des silences, longs ou courts, que l’on entend souvent dans Godot, et Beckett en général. Cela apporte une étrange touche d’allégresse, qui n’en rend pas l’œuvre moins désespérée, mais plus humaine. Comme un petit sifflotement face à l’abîme.
Si Françon est musicien, il est aussi peintre. Avec l’aide de l’œuvre monumental de Jaques Gabel, qui s’était fait remarquer il y a peu dans cette magnifique toile peinte impressionniste de « La seconde surprise de l’amour » de Marivaux, avec Françon bien entendu. Il y allait d’une touche impressionniste, dans des verts figurant l’émotion d’une renaissance de l’amour. Ici la toile vire au noir, entre Soulage et les cieux tourmentés des eaux fortes de Victor Hugo. Une toile qui se confond entre ciel et terre, neige et ténèbre. Françon y dispose ses comédiens comme en autant de tableaux d’une pure théâtralité.
Car c’est cela « En attendant Godot », une pure théâtralité, encore et encore, à recommencer et à presque oublier, à recommencer autant qu’à redécouvrir, jour après jour sur le plateau de la Scala comme dans nos vie si brèves et si longues.
Texte Samuel Beckett
Mise en scène Alain Françon
Avec Gilles Privat (Vladimir), André Marcon (Estragon), Philippe Duquesne (Pozzo), Éric Berger (Lucky), Antoine Heuillet (Un garçon)
