Catégorie : Théâtre

Texte Nicholas Wright translation François Regnault

Mise en scène Brigitte Jaques-Wajeman

Brigitte Jacques-Wajeman reprend Mme Klein, vingt cinq ans après la première mouture du théâtre de la Commune en 1993. J’avais eu la chance de voir cette création à l’époque à Aubervilliers. Comment la vision de la pièce, et donc sa retranscription scénique, a-t-elle évolué, une génération plus tard ? Cela questionne bien entendu la « marque » qu’un spectacle laisse sur un spectateur, et le travail de transformation qu’opère l’inconscient. Remarques donc forcément subjectives et fragiles :

– La scénographie était alors très concrète et figurative. Le décor était la reproduction fidèle du bureau de la psychanalyste (murs, portes…). Il ne reste plus que des objets mobiliers ayant tous une fonction symbolique. De lourdes tentures sombres s’ouvrant d’un côté sur une toile sombre peuvent figurer la noirceur du « ça », et de l’autre sur un voile vertical en tulle figurer la possibilité d’une lumière du jour, permettant une sublimation. Un choix vers l’onirique donc, presque de représentation d’un espace qui pourrait être mental, voire inconscient. Retour à Freud peut-être qui théorisa l’importance de cette « Autre scène » (der andere schauplatz), dont le plateau théâtral, comme l’artefact de la séance, sont des expressions fonctionnelles. Ou à Lacan, qui énonça que le fantasme est « le metteur en scène de toute la capture imaginaire ».

– Le jeu me semblait alors plutôt britannique. Sec, précis, mettant à distance l’émotion pure, pour la faire sourdre dans les entre-deux du sens. En 2019 l’interprétation est plus Mitteleuropa, branchée sur l’hystérisation à fleur de peau, la catharsis, plus viscérale, se finissant même en corps à corps à même le sol. Moins dans le « surmoi » donc encore, et plus vers le « ça ».

– Enfin, en 1993, la figure de Melanie Klein paraissait plus en accusation, et sans circonstance atténuante. On s’identifiait plus à sa fille, Melitta, et à son combat pour s’affranchir de sa relation d’emprise maternelle. Les balances semblent plus équilibrées aux Abbesses. Melanie Klein semble toujours aussi monstrueuse, mais sa fragilité est surexposée. A défaut de l’excuser, on peut la plaindre.

Au-delà de ces évolutions, la pièce reste une œuvre unique dans sa réussite, créer une dialectique spectaculaire entre deux univers : le théâtre et la pratique analytique.

Melanie Klein dit : «  On ne parle jamais à deux, il y a toujours un tiers ». Comme au théâtre où nous sommes, nous spectateurs, ce tiers exclu mais opérant comme lieu d’adresse, et machines à s’identifier. Elle lance ensuite à sa fille, qui l’agresse d’une réplique assassine: « Je vois que tu as répété avant de venir ». Faisant allusion à la séance d’analyse dont elle sort, comme lieu où « on répète » ce que l’on pourra agir dans la vraie vie. Et puis il y a la question de l’interprétation, signifiant maître dans les deux pratiques. Le tort de Mme Klein (théoriquement) ne serait-il pas la surinterprétation ? Comme on peut le dire de certains comédiens ? Surtout au regard d’un déficit de jeu. Il y a bien des jouets sur le sol. Mais ce sont des outils de travail. Nous apprenons aussi que faute de pouvoir jouer un rôle de mère auprès de Melitta, elle la psychanalysa, transformant l’espace du jeu entre une mère et sa fille, en espace de travail et de déchiffrement, de violence donc. Or, suivant D.W Winnicot, autre grand psychanalyste, là où le jeu va mal, c’est l’humain qui souffre.

Brigitte Jacques-Wajeman, donne matière à voir, à ressentir, à penser. Non seulement la psychanalyse, mais surtout l’incarnation de la pratique dans des être de chair et de sang.

Spectacle fascinant et monstrueux, comme pourrait être celui dévoilant la créature humaine sous le comédien. Envers possible de « Elvire Jouvet 40 » donc, de la même Brigitte Jacques-Wajeman. Ce faisant, elle nous met pour un moment, en place d’écoutant, en place d’analyste. Rejoignant finalement Mme Klein dans sa dernière phrase : « J’écoute ».

photos pascal Gély

Texte Nicholas Wright

Mise en scène Brigitte Jaques-Wajeman

Avec : Marie-Armelle Deguy, Sarah Le Picard, Clémentine Verdier.

Assistant à La Mise en scène Pascal Bekkar , Scénographie Emmanuel Peduzzi, Costumes Pascale Robin & Emmanuel Peduzzi , Lumières Nicolas Faucheux, Objets De Scène Franck Lagaroje Maquillage & Coiffure Catherine Saint-Sever, Musique Marc-Olivier Dupin, Son Stéphanie Gibert

D’après Ingmar Bergman

Mise en scène Julie Deliquet

      Julie Deliquet adapte pour le plateau de la salle Richelieu le film testament d’Ingmar Bergman (1982). Le passage de la pellicule au spectacle vivant est une évidence dont les presque trois heures passent à la vitesse d’un songe. Évidence qui est le fruit d’un travail énorme, non seulement sur le long métrage, mais aussi la série télévisée qui le précède, ainsi que le roman éponyme.

Son Fanny et Alexandre est une œuvre multidimensionnelle, dont il est difficile d’épuiser le sens. Proprement enivrant et enthousiasmant, y dialoguent sans cesse plusieurs univers.

La troupe familiale fictive des Ekdahl et celle, réelle, du Français. Le spectacle s’ouvre sur une annonce de Denis Podalydès, qui s’avère être celle d’Oscar Ekdahl. Émilie Ekdahl expose, en avant scène, ses doutes sur la validité d’une vie de comédienne, et c’est Elsa Lepoivre que l’on sent douter. Par la suite, la superposition continue de ces deux niveaux de lecture produit autant d’émotions que d’étrangeté. Ou, plus précisément, un sentiment de familiarité étrange. Cette « Unheimlich », théorisée par Freud, agit en permanence, par des glissements d’un plan à l’autre.

Le théâtre et la vie : Oscar répète le spectre dans Hamlet, et l’on voit Denis répéter. Oscar joue le spectre et devient fantôme pour l’éternité, comme figé dans le jeu. On joue Hamlet, et c’est la mort du père et l’avènement de Polonius qui se produit. On joue l’assassinat de Clarence, et c’est Richard III qui triomphe en l’évêque Edvard séducteur de veuve.

Le fantastique et le quotidien. La dimension magique parcourt toute la pièce. Le merveilleux s’insinue dans la vie, dans le théâtre. Jouer n’est pas anodin, il y a des scènes prémonitoires, comme des songes le sont. Dans « Le Malade imaginaire » de Molière – auteur vénéré par Bergman – Argan s’inquiète : « N’y a-t-il pas quelque danger à contrefaire le mort ? » (III, 11). Bergman répond par la positive. Autant de danger que de piquer des aiguilles dans une poupée fétiche… Le théâtre est une cérémonie sacrée, magie blanche ou noire. L’âme des personnages de fiction hante les lieux, comme celle des acteurs.

Le théâtre et le cinéma. Aussi grand metteur en scène de théâtre que de cinéma, Bergman est légitime pour nouer une relation amoureuse féconde entre ces deux arts de la fiction. La force de Julie Deliquet est, entre autre, de ne pas faire disparaître le cinéma dans sa transposition. Les enfants jouent en ombres chinoises sur une toile blanche l’assassinat de Clarence, à la manière des expressionnistes allemands. La seconde partie plongée dans des noirs et blancs, après la multitude bigarrée de la première, nous plonge dans une atmosphère sœur de « La nuit du chasseur » de Charles Laugthon. Thierry Hancisse y est d’ailleurs un terrifiant et sublime évêque Edvard Vergerus, qui serait comme possédé par le révérend Powell de Robert Mitchum.

Le chrétien et le païen enfin. La pièce commence par une nativité, où chacun interprète, pour rire, un protagoniste de la crèche. La seconde partie en est le revers : la passion, tragique, d’un Christ ayant pris corps en Alexandre.

A la richesse polymorphique de la mise en scène répond, une qualité de jeu proprement inouïe de toute la troupe.

Le spectacle nous renvoie d’ailleurs aussi à notre situation de spectateur. Conscience soudaine de voir réunis dans un même présent autant de comédiens hors du commun. Sensation de privilège, où le merveilleux n’est pas absent.

Des étoiles brillantes d’abord :

Denis Podalydès, fragile et drôle. Elsa Lepoivre, d’une simplicité de jeu désarmante, émouvante. Hervé Pierre, Dionysos tonitruant et solaire. Florence Viala, élégante et juste en tout. Dominique Blanc, d’une pâleur tutélaire. Et Laurent Stocker, et Cécile Brune, et Véronique Vella…

Un trou noir escorté d’un satellite mort ensuite : Anne Kessler, martelant le texte avec une précision de machine à coudre devenue folle. Hancisse noir comme la poix et l’angoisse mauvaise.

Fanny et Alexandre est un spectacle immense. Une œuvre qui nous dit qu’il vaut mieux se jouer de mille masques, que d’être le jouet d’un seul. Comédie ou tragédie.

Julie Deliquet nous y montre que le monde du théâtre est la seule protection contre le théâtre du monde.

photos Brigitte Enguérand

Texte d’Ingmar Bergman

Mise en scène Julie Deliquet

Interprétation :

Véronique Vella, Thierry Hancisse, Anne Kessler, Cécile Brune, Florence Viala, Denis Podalydès, Laurent Stocker, Elsa Lepoivre, Julie Sicard, Hervé Pierre, Gilles David, Noam Morgensztern, Rebecca Marder, Dominique Blanc, Julien Frison, Jean Chevalier.

Équipe Artistique :

Traduction : Lucie Albertini et Carl Gustaf Bjurström

Version scénique : Florence Seyvos, Julie Deliquet et Julie André

Mise en scène : Julie Deliquet

Scénographie : Éric Ruf et Julie Deliquet

Costumes : Julie Scobeltzine

Lumière : Vyara Stefanova

Musique originale : Mathieu Boccaren

Comédie Française, 1 Place Colette, 75001 Paris

De Molière

Mise en scène : Daniel Auteuil.

Après Scapin, et Arnolphe, Daniel Auteuil est Argan dans son troisième molière. Il en assume également la mise en scène.

L’action commence en une bien étrange scène d’exposition, inédite chez Molière. Argan, seul en scène, fait l’inventaire des médecines reçues et du prix qu’elles lui coûtent. Comme si Harpagon se muait en hypocondriaque. Argan se croit donc malade. Comme de nombreux personnages de Molière tout son univers est régi par une idée fixe, quasi délirante. Riche bourgeois, il est vampirisé par ses médecins et s’invente toutes sortes de maladies. D’un premier mariage, il a eu deux filles, la petite Louison et Angélique, qu’il souhaite marier au crétin  Thomas Diafoirus, médecin et fils de médecin. Mais Angélique aime Cléante et l’avoue à la servante Toinette. Béline, la seconde femme d’Argan, fait venir un notaire véreux pour rédiger le testament de son mari. Pour hériter de la fortune d’Argan, elle aimerait voir les filles entrer au couvent. C’est compter sans Toinette (Aurore Auteuil) qui, telle un Scapin à tablier, attend son heure…

De toutes ses comédies, le « Malade » est peut être la meilleure et la plus drôle. Il n’y a pas une scène faible, un personnage qui ne soit un vivier pour la farce. Daniel Auteuil, prend le sage parti de servir l’œuvre sans rien y ajouter.

Daniel Auteuil propage une véritable épidémie comique ! Il laisse le rythme, ou plutôt la fièvre, monter progressivement jusqu’à de véritables crises comiques (très réussie scène de la leçon de chant, irrésistible scène du clystère!). Lui même ne cesse de monter en puissance près de deux heures durant, au plus grand plaisir d’un public ravi. Car oui la salle, pleine à craquer, rit, applaudit comme un enfant, et finit debout aux saluts finaux.

Et parmi le public, une spectatrice, une comédienne, et une mère : Emmanuelle Béart fière et applaudissant un peu plus fort encore !

photos Julien Panie

De Molière

Mise en scène : Daniel Auteuil.

Avec : Daniel Auteuil – Alain Doutey – Aurore Auteuil – Victoire Bélézy – Pierre-Yves Bon – Natalia Dontcheva – Jean-Marie Galey – Gaël Cottat – Loïc Legendre – Cédric Zimmerlin – Laurent Bozzi

Du 25/01/2019 au 25/05/2019

Au THEATRE DE PARIS , 15, rue Blanche 75009 PARIS 09

http://www.theatredeparis.com/spectacle/le-malade-imaginaire